Africa

El arte africano no deja indiferente. Es distinto de lo que conocemos en Europa, puesto que África esta dividida en una multitud de etnias diferentes que tienen cada una su religión, sus cultos y su estilo artístico propios. Sin embargo, ésta ha logrado conservar su rasgo más acentuado, el cual es la profunda espiritualidad que envuelve cada región, cada pueblo, cada etnia, y por supuesto, a cada individuo.

Para el continente africano, las fuerzas que mueven el universo son: los seres vivos, los elementos naturales y la fuerza de la naturaleza, pero las fuerzas sobrenaturales que residen en los ancestros, son las que adquieren más importancia para éste. 

Para llegar a entender esto hay que saber que el arte africano no es decorativo sino funcional, por tanto sirve para algo en concreto. Por tanto, las piezas africanas, sin duda tienen diferentes funciones y transmiten una fuerza, que probablemente reside en la sugestión colectiva, ya que, la etnia africana (cualquiera que sea) cree que la pieza está poseída por fuerzas sobrenaturales en muchos de los casos, aunque habría que destacar que no todas las piezas tienen una función de encarnar algo sobrenatural, hay piezas que únicamente tienen una mera función de uso cotidiano, como pueden ser los reposacabezas, taburetes, lanzas, etc. 

Uno de los tipos de objeto más importante en el arte africano es la máscara. Ésta no solo es una escultura de madera, es un personaje completo que se mueve, baila, se comporta de una manera peculiar y tiene su propio carácter. Cada máscara encarna un espíritu diferente que tiene una personalidad diferente y que desarrolla un papel diferente. 

De forma general, se podría decir, que la máscara es la concretización de un espíritu, de una criatura sobrenatural que interviene en la vida del pueblo. Se sitúa entre lo sagrado y lo profano. El más allá se hace visible y regula la existencia de los individuos y del poblado. 

Pinturas rupestres bosquimanas, en el sur de África. Los bosquimanos han habitado el sur del continente desde hace 20.000 años y sus ancestros prehistóricos realizaron estas pinturas con escenas de caza.

Estatua del rey N'Soyo. El realismo de esta escultura angoleña manifiesta el posado orgulloso del soberano, sentado en un pedestal manteniendo una mirada soberbia al frente. El posterior empobrecimiento de su reinado se debió al comercio de esclavos que fomentaron los primeros portugueses que desembarcaron en el estuario del río Congo en 1482.

Tapa de salero (British Museum, Londres). Pieza de 1550, tallada en marfil con la forma de un barco portugués. En la época de la colonización europea de África era muy habitual la elaboración de objetos de este tipo por artesanos africanos, para satisfacer las necesidades de los colonizadores.

Altar (Patronato de los Museos Nacionales, Edimburgo). Pieza de la etnia igbo, procedente de Nigeria, que tiene una función ceremonial. Está esculpida en arcilla y representa con gran realismo a cuatro personajes: el gobernante sosteniendo un cuerno para beber, sus dos esposas embarazadas y un niño con un gong.

Cabeza de bronce (Museo de Arte Primitivo, Nueva York). Esta escultura procede del reino de Benin y está fechada aproximadamente en el período que va de 1550 a 1680. Cabezas semejantes fueron halladas en los altares reales de Benin como recordatorio de los antepasados.

Vaso de sacrificios tallado en madera pintada, del pueblo yoruba (Museo Ifán, Dakar). El uso de la madera fue muy extendido entre las tribus africanas. Generalmente, la talla en madera se realizaba con una azuela o un simple cuchillo. EI pueblo yoruba realizó numerosas esculturas representando divinidades, héroes y familiares, y para ritos de sociedades masculinas.

Figurilla Dogon (Colección Fuhrman, Nueva Cork). Pieza procedente de Malí y realizada por la etnia Dogon, que representa a un personaje mitológico.

Bote de cerámica (Museo Horniman, Londres). Realizada por la etnia yoruba de Nigeria, esta vasija se utiliza para guardar agua o el licor obtenido de la palmera.

Figuritas Matakam (Colección privada). Estas dos vasijas huecas de terracota representan a un hombre y una mujer exageradamente caracterizados por sus atributos sexuales. La cultura matakam, de la que se conservan algunos vestigios tribales en las montañas de Camerún, sufre en la actualidad una progresiva extinción de sus tradiciones debido a la tremenda expansión de la civilización occidental. Anclada en las costumbres del neolítico, el estilo de vida Matakam se ha mantenido aislado del contacto del hombre blanco hasta los albores del siglo XX.

Cabeza con peinado trilobulado (Museo Kansallis, Lagos). Pieza en terracota perteneciente al arte nok, cuyas figuras, en este período, acusan una gran homogeneidad estil ística. cuidado de los detalles corporales, búsqueda de la expresividad, tratamiento geométrico de los ojos, frecuentemente triangulares, y técnica de perforación de los ojos, la nariz y las orejas. Unas tienden a la esquematización, y otras, al naturalismo.

China

China es uno de los países con más antigua civilización en el mundo, y su historia constada por escrito se puede remontar a 4,000 años atrás. China es un vasto país que vivió durante largo tiempo sin contactos con el mundo occidental, ni con el sur asiático, y algunos de los valores que exaltó en su humanismo difieren bastante de los occidentales. Esto contribuye a acrecentar el interés que esta civilización ofrece, no sólo desde el punto de vista de la historia del pensamiento, sino también desde el de la historia de las actividades artísticas. El arte chino cuenta con una prolongada prehistoria. Los hallazgos de mayor antigüedad, realizados en Yang-chao, en el norte del Honan, datan de una época que cabe situar entre los siglos XIX y XVII a.C. y han proporcionado una cerámica con decoración pintada geométrica, además de cuchillos de hueso o sílex y hachas de jade. Contemporánea a ello, o poco posterior, es la cerámica encontrada en la región de Panchan, en Kansu, con espléndida ornamentación policroma de espirales, volutas y losanges.

Pintura china

Las cerámicas pintadas del neolítico, de hace más de seis mil años y con figuras de peces, ranas, ciervos, pájaros y flores, presentan las primeras manifestaciones pictóricas de China. Los pictogramas más tempranos estaban compuestos por los pequeños dibujos con líneas, que se desarrollarían convirtiéndose en los caracteres chinos actuales. 

Artesanía china

La artesanía china se caracteriza por sus numerosas variedades y finas técnicas. Muchas obras trabajadas con técnicas especiales atraen a los expertos y coleccionistas. La artesanía de China se divide en dos ramas: la especial y la folklórica. La artesanía especial incluye las tallas en marfil, en jade y en piedra shoushan y otros artículos, los cuales, hechos con diseños meticulosos y materias preciosas o particulares, se venden muy caros.

Tallas en marfil

Las tallas en marfil se producen especialmente en Beijing, Guangzhou y Shanghai. Las de Beijing representan principalmente doncellas, flores, y pájaros. Guangzhou goza de fama por las bolas de marfil con grabaciones finas. En la mayoría de los productos de Shanghai se tallan figuras de seres humanos esmeradamente diseñadas.

Objetos de jade

En el caso de los objetos de jade, utilizando las vetas, lustres y colores naturales de las materias primas, los artesanos combinan el color con la figura de las materias primas a fin de mostrar plenamente la fascinación de la naturaleza.

Grabados en piedra

Están hechos con distintas piedras preciosas. Los artesanos esculpen los objetos conforme al color y forma de las piedras haciéndolos vivos.

Grabados de laca

Son principalmente botellas, jarros y grandes biombos de color rojo oscuro en la mayoría de los casos. Se ven muy bellos y refinados.

Objetos de cloisonné

Son famosos en China y en los países extranjeros. El proceso de producción se inicia con el modelo de los objetos con cobre, y se incrustan tirillas de cobre pulidas y galvanizadas con oro y plata.

Antiguas vasijas chinas (Royal Ontario Museum, Toronto). Estas piezas sin barnizar tienen una antigüedad que va de finales del III milenio a.C. al siglo l d.C. De izquierda a derecha: jarra del período Anyang tardío del siglo XI a.C; vasija de la dinastía Han o anterior con impresiones textiles de 206 a.C. a 220 d.C; cuchara de la dinastía Han Oriental de 25 a 220 d.C; vasija del período Machang de la cultura Majiayao con decoración de serpientes del III milenio a.C; vasija con dos asas de la dinastía Han Occidental del siglo n a.C; ting de la dinastía Han Occidental de 206 a.C. a 24 d.C.

Guerreros de Ch'in-Han (Xianyang). Después de unificar el reino levantando la Gran Muralla, la última voluntad del emperador Ts'in Shi Huang Ti fue ser enterrado bajo un túmulo de 48 m de altura con sus concubinas, los obreros que trasladaban su tesoro antes de cerrar el sepulcro y un ejército de terracota de más de 7.000 soldados de casi dos metros de altura y 1.300 caballos de barro cocido y carros de combate de bronce, dispuestos en 11 corredores de 200 m de largo. Las estatuas son fieles reproducciones realistas de sus soldados reales, por lo que no hay dos figuras que presenten las mismas facciones.

El rollo de los Trece Emperadores. (Detalle)

Plato de porcelana "familia verde" (Museo Guimet, París). Según la tonalidad predominante que lucía la decoración de la porcelana, se denominaban por el color, como en este caso. Procedente de la época Kang-hsi del siglo XVII, aves y plantas forman la composición decorativa de este plato, dibujados con la delicadeza característica de los artesanos chinos.

Tings de bronce de la dinastía Chang (Royal Ontario Museum, Toronto). Con una antigüedad que va aproximadamente de 1400 a 1100a.C, estas piezas con dos asas presentan una decoración incisa de estilo geométrico.

Monstruo guardián. Realizada en terracota policromada, esta estatuilla de la dinastía T'ang ejemplifica el rechazo por el forastero, representando un ser grotesco con cuerpo de bestia y una cabeza de rasgos occidentalizados, con barba y nariz prominente. Las patas acabadas en pezuñas parecen sugerir una metáfora comparativa con una amenaza diabólica.

Urna funeraria (Museo Británico, Londres). Esta pieza esculpida en forma de puerta palaciega fue hallada sn un sepulcro de la dinastía Han. En la escena representada pueden apreciarse las figuras de los guardianes que custodian la entrada y el entrenamiento de dos luchadores.

El Renacimiento

EL Renacimiento es un periodo cultural que se desarrolla en Italia en el año 1400. El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. La cultura greco-romana había sido desplazada durante la Edad Media. En esta época lo novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma, estas nuevas concepciones artísticas, enmarcadas en el acto religioso no tienen mayor auge, debido a los recelos de los sabios humanistas orientales que emigran a esta ciudad después de la caída de Constantinopla; es así como al ser rechazado el estilo gótico y bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas formas greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande por toda Europa (Francia, Inglaterra,Alemania y la Península Ibérica, especialmente).

Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos, algunos como Leonardo de Vinci, etc...

El Campanile de Florencia, edificado a partir de los dibujos de Giotto, es una obra perteneciente al gótico tardío. Los colores blancos y grises utilizados en esta construcción arquitectónica dotan al conjunto de un gran equilibrio y serenidad. La restauración que se hizo hace unos años tanto de la Catedral, como el Baptisterio y el Campanile, les devolvió todo el esplendor de antaño.

Porche de la Loggia dei Lanzi, Florencia. En esta Logia, ubicada en la plaza de la Señoría, están situadas varias esculturas que a lo largo del tiempo se fueron añadiendo en este espacio, como El rapto de las sabinas, obra maestra de Giambologna, Perseo con cabeza de Medusa de Benvenuto Cellini y, entre otras, una copia del David de Miguel Ángel, cuyo original se encuentra en el Museo de la Academia de Florencia.

Muerte de Francesca Pitti de Verrocchio (Museo del Bargello, Florencia). Andrea Cione, llamado II Verrocchio, era el orfebre de los Médicis y realizó varias obras para sus protectores, como este relieve en mármol que representa la muerte de la abuela de Lorenzo de Médicis.

Autorretrato de Leonardo da Vinci (Palazzo Reale, Turín). Realizado en 1516, tres años antes de su muerte, Leonardo acentúa los rasgos que ennoblecen su ancianidad proyectando así la imagen que pretendía que la posteridad tuviese de él. Destaca su frente amplia y despejada, la mirada profunda y reflexiva y los largos cabellos de viejo sabio

Dibujo de proporciones del hombre de Leonardo (Gallería dell'Accademia, Venecia). Con este dibujo realizado en 1490, en pluma, tinta y acuarela sobre punta de metal, inspirado en el célebre hombre de Vitrubio, Leonardo sentó un nuevo canon de proporciones del hombre

Detalle de El Juicio Final de Lucas de Leiden (Stedeljik Museum "De Lakenhal", Leiden, Países Bajos). Es la obra más majestuosa de Lucas de Leiden, un tríptico que pintó para la iglesia de San Pedro de Leiden. En esta escena, localizada en el panel central, destacan los detalles, la oposición de los cuerpos claros y el suelo oscuro, con la intención de crear un contraste lumínico más acentuado.

La Noche de Miguel Ángel, detalle (tumba de Juliano de Médicis, Capilla Medicea, Iglesia de San Lorenzo, Florencia). El agotamiento de esta figura, que representa la Noche, se hace patente en este detalle del rostro. Miguel Ángel hace apoyar la cabeza en un gesto de cansancio y esculpe una expresión que sugiere abatimiento.

Relieve de la Batalla de los Centauros de Miguel Ángel (Detalle, Casa Buonarroti, Florencia). En este relieve, una de las obras, según se cuenta, más apreciadas por el autor, sobresale el detallado esculpido de los cuerpos, enfrascados en un feroz combate.

La Aurora de Miguel Ángel. Una de las esculturas de la tumba de Lorenzo de Médicis en la Capilla Medicea de la Iglesia de San Lorenzo, Florencia. En esta hermosa sibila, Miguel Ángel logró expresar el esfuerzo por desperezarse del sueño en una figura eminentemente pasiva. Todo en esta capilla funeraria se integra en una unidad: los mausoleos en la arquitectura, la escultura a su vez en los mausoleos.

Bruto de Miguel Ángel (Museo del Bargello, Florencia). En esta escultura el autor recupera todo el orgullo y la serenidad de los bustos de los personajes romanos más ¡lustres y consigue un retrato lleno de fuerza expresiva.

Arte Gótico

El arte gótico es el que corresponde a la Baja Edad Media. La evolución del Arte Románico nos ofrece el Gótico. Su nombre se debe al pintor manierista Giorgio Vasari que alude a este estilo como "gótico" al considerarlo de origen germánico y propio de godos, acentuando el aspecto despectivo de este arte anterior al Renacimiento. El estilo ojival, o gótico, nace, si se permite la expresión, a pie de obra y no de una especulación intelectual y visionaria del nuevo camino que debía tomar el arte europeo. 

ROMÁNICO	GÓTICO
SOMBRA MUROS, MACIZOS PEQUEÑAS VENTANAS MONUMENTALIDAD MONASTERIO	LUZ VACÍOS GRANDES VIDRIERAS ELEVACIÓN, ESPIRITUALIDAD CATEDRAL

Arquitectura

La primera diferencia que notamos entre la iglesia románica y gótica es la fachada. Aunque, en general, la iglesia románica cuenta con un portal único, la iglesia gótica tiene tres portales que dan acceso a tres naves dentro de la iglesia: la nave y dos pasillos. La arquitectura expresa la grandeza, la creencia en la existencia de un Dios que vive en un plano superior, todo volvió a la parte superior, que sobresale hacia el cielo como se ve en las puntas de las agujas de algunas torres de las iglesias góticas. El roseton es una característica arquitectónica muy característica del estilo gótico y está presente en casi todas las iglesias construidas entre los siglos XII y XIV.

Otros rasgos característicos de la arquitectura gótica son arcos góticos ojivales y ventanas de colores o total vitrales que filtran la luz en la iglesia. Las más conocidas son las catedrales góticas: Notre Dame de París y de Notre-Dame de Chartres.

Escultura

La escultura y la arquitectura están vinculados a estirar hacia arriba, que muestra en posición vertical, que se extiende de las formas y características se caracterizan de manera que los fieles pueden reconocer fácilmente el personaje interpretado por el ejercicio de la función e ilustrar las enseñanzas ofrecidas por la iglesia.

Pintura

El arte gótico desarrollado en los siglos XII y XIV y principios del siglo XV, cuando comenzó a tener nuevas características que anuncian el Renacimiento. Su característica principal fue la demanda de realismo en la representación de los seres que componen la obra pintada, a menudo se ocupan de temas religiosos, los personajes tenían poco voluminosos cuerpos, cubiertos con un montón de ropa, sus ojos se volvieron hacia arriba, hacia el plan celestial.

A finales del siglo XIV se desarrolla el Estilo Internacional donde las influencias italianas se funden con las francesas y flamencas, obteniendo más que interesantes resultados. Durante el siglo XV dos regiones incorporarán fundamentales aportaciones a la pintura, abandonando el estilo gótico y acercándose al Renacimiento: Italia donde se desarrolla el Quattrocento y Flandes donde la pintura flamenca aporta grandes dosis de realismo y detallismo.

Bóvedas de crucería: arriba, simple; abajo, sexpartita. La bóveda de crucería refuerza sus aristas con nervios, lo que permitió su utilización en todo tipo de plantas y partes, como los ábsides o los cruceros, del templo gótico.

Piedad de Villeneuve-lés-Avignon (Musée du Louvre, París). Esta obra maestra de la pintura provenzal del siglo XV es llamada así porque fue conservada en la famosa cartuja. La fúnebre y delicada belleza de Cristo, el amargo dolor de su Madre, el desconsuelo de San Juan y de María Magdalena contrastan con la serenidad dei donante, cuyo retrato admirable es uno de los mejores de la pintura gótica. De autor desconocido aunque atribuible a Enguerrand Charonton.

Coronación de la Virgen de Enguerrand Charonton (Hospice de Villeneuve-lés-Avignon). Pintada hacia 1454, esta tabla maravillosa describe la concepción medieval del mundo con colores de una increíble intensidad. Sobre la visión torturada del infierno, la tierra extiende el manto de un paisaje de colinas y ciudades, mientras en el cielo, entre nubes de ángeles y ante legiones de bienaventurados, la Trinidad corona a la hermosísima Virgen.

Murallas de Aigues-Mortes. Estas murallas fueron levantadas alrededor de esta villa francesa, en el siglo XIII, bajo el reinado de Luis IX. Su perímetro es de 1.640 m y su belleza y funcionalidad radican en la gran simplicidad, solidez y homogeneidad arquitectónica.

Castillo de Meissen. Situado en la población homónima, en el centro-este de Alemania, destaca por sus dos torres acabadas en agujas dirigidas al cielo.

Castillo de Marienburg. Fue sede de la autoridad rectora de la Orden Militar de los Caballeros Teutónicos y en la actualidad está enclavado en territorio polaco. La visión de conjunto muestra la configuración de la fortaleza, la más grande de las muchas que construyó la citada Orden, con sus torres cónicas de frente al río.

Episodio de la iglesia superior de Asís, pintado por Giotto, que representa a San Francisco recibiendo los estigmas.

Retrato del poeta Dante, en un detalle de los frescos que Giotto pintó en el palacio del Podestá de Florencia.

Cá d'Oro, en Venecia. Destaca ia belleza de las "loggie" superpuestas a una construcción del siglo XV. Quizás el activo comercio de sedas y pedrería determinó el gusto veneciano por la policromía, por los rotundos contrastes de color, o de luz y sombra, que hacen de sus fachadas un encaje labrado multicolor.

Detalle de la puerta meridional de la catedral de Bamberg. Escena en la que aparecen el emperador San Enrique el Cazador y su esposa Santa Cunegunda, quien, de acuerdo con su esposo, hizo voto de castidad. El conjunto escultórico expresa un aire de lirismo también característico de la escultura gótica alemana.

Caballero en traje de armas que adorna la catedral de Estrasburgo. Uno de los rasgos característicos que imprimieron los escultores renanos fue la humanización de una gestualidad que parece conferir vida a la piedra.